但在大師級攝影家的手中，如何把商品的抽象訴求拍出來，
那才是考功力的一環.
大師霍斯特以潔白的絲綢暗示我們的潛意識，讓我們不自覺就把
光滑純潔的印象，從絲綢轉移到女模的臉上.
這很高招啊，是當時商業攝影的一大突破!
「女模德洛菲絲」，1946，霍斯特（Horst P. Horst）
「女模德洛菲絲」是霍斯特為「VOGUE」一九四六年六月號拍攝的，照片主角是新銳妙齡女模德洛菲絲（Carmen Dell’Orefice）。霍斯特深受這位十五歲女模的雙眸吸引，留下了這麼一句話：「她有雙文藝復興時期美女特有的杏眼⋯⋯宛如從古代走出來的美國美女。」而霍斯特另類的構圖手法，更讓讀者的目光聚焦在德洛菲絲姣好的面容上。
霍斯特曾經師從建築大師柯比意（Le Corbusier），對於當代藝術設計潮流特別敏銳。他將新美學導入時尚攝影中，多少受到同期藝術發展影響，尤其是超現實主義─講求超脫現實，展現潛意識的想像世界。
在這張超現實構圖中，霍斯特將女模的肢體重組。德洛菲絲的頭似乎接在沒有手臂的軀幹上，另有一雙憑空出現的手在按摩她的臉龐。
這張鼓吹「美」的照片，展現了時尚攝影的新層次，畫面中穿插著微妙的心理訊息，有待日漸具備視覺素養的大眾來解讀。那雙憑空出現的手， 讓我們的注意力，集中在女模如陶瓷般細緻的肌膚上，霍斯特將女模的臉與披垂的絲緞並置，觀者便會下意識將她的肌膚與緞布比擬，整體畫面給人奢華感，將女模的肌膚襯托得光滑無瑕。
（圖文擷自《解讀經典攝影》）
=========以下為原po舊文===============
「經典攝影為什麼會變成經典？」「經典攝影好在哪？」
或許現在回頭看百多年前的經典攝影作品，常常會覺得「這張沒什麼難度吧？為什麼會變成經典？」其實我也有過樣的想法，所以看到這本剛出版的「解讀經典攝影：看懂不朽作品，重現大師技法」，就翻來看看了。
就像以往我常分享攝影書的閱讀心得，這篇就來分享幾幅「經典之所以變成經典」的解讀吧！
（不過全書挑了56位攝影大師的56張作品，每張都影響和改變了我們今日的攝影學美和技巧，很遺憾我無法篇篇分享，只能挑幾幅。）
就像作者所說的，當時的攝影師有什麼藝術的考量？在技術又有什麼特色？我們現今回顧又得到什麼啟示？因此書中分四大部份：
1，大圖賞析
2，作品背後的故事
3，攝影家小傳
4，如何重現大師技法
我個人覺得對初學攝影的人來說，常看經典作品是真的有助於對取景的鑑定力，也能學會看出一張照片好在哪，而對於進階攝影人來說，像作品背後的故事，常常有寫到各流派之間的美學衝突，或是藝術理念的傳承，都非常受用！
以下就先跟大家分享幾張我第一次翻閱就覺得震撼的作品。
◎印度邊界的東巴基斯坦難民，1971，麥庫林（Don McCullin）攝
說攝影捕抓人類最深層的情感，看了這張照片你一定會認同。這張照片在近乎滿版的印刷下，一翻到就很震撼啊！母親無奈的眼神，小孩讓人心痛的哭泣，我總是想，在拍完這張照片後，這對母女的命運如何了呢？即使她們被留下了永垂不朽的影像，但她們活生生的生活又如何了呢？
攝影師麥庫林自己這麼說過：「我發現自己常常不願意去看我的拍攝主體。我的情感已經麻木了。我認為自己拍攝的照片很殘酷。這些作品代表的不是戰爭，而是戰亂受害者所承受的折磨。」非常沉重！這本書的作者為這幅名作做出如下的解讀：
「這張照片一瞬間就拍好了──麥庫林看見這對母女的臉孔，便上前按下快門，雙方完全沒有接觸也沒有交談。麥庫林說：「我想這個小女孩從來沒看過白人，但是她不是因為害怕我才哭，在見到我之前，她顯然已經吃足苦頭，找不到東西果腹，很可能就快餓死了。」這張照片的重點在於畫面傳達的情感─小女孩痛苦萬分，母親則求助無援。這幅母女肖像令人不禁聯想起聖母與聖嬰，這是西方藝術史上常見的母題，或許也是這幅肖像之所以動人的原因。」
◎移民媽媽，加州尼波莫鎮，1936，蘭琪（Dorothea Lange）攝
這張算是很多人都看過的名作了吧？母親憂鬱的眼神，身邊圍繞著二位不知所以然又似乎很失落的小孩，一看就是前途茫然的感覺。的確，這張照片也因此成為美國經濟大蕭條下人民生活困苦的最佳寫照。
但這張照片的拍攝過程就比較用心思了，不是用心在取景，而是我們都可以跟大師學習的──和陌生人抬摃。書中作者是這樣說明攝影師的拍攝過程：
「蘭琪走進豌豆田裡找人攀談，隨口問一些簡單的問題，例如：『你在採什麼』、『你在這裡多久了』、『上次吃午餐是什麼時候』，然後才說『我想幫你拍張照』，這時對方通常都會答應，並且稍微擺幾個姿勢。但是蘭琪並不急著拍。她先四處繞一繞，等到對方忘記她的存在，自顧自回頭繼續工作，她才拿起相機開始拍。」
前兩張分享的好像太沉重了，來點比較輕鬆的。
◎非軍事區以南，南越，1966，伯羅斯（Larry Burrows）攝
這張照片看起來有些沉重，但看了作者說明了真實狀況後，真的忍不住大笑啊！其實很多經典攝影是在戰地拍攝的，這張之所以成為經典，和以上兩張從內容來震撼人心不同，這張除了黑人士兵似乎要去安撫躺在地上的傷兵的兄弟情誼外，作者是以構圖來說明的：躺在地上握著木樁的傷兵，伸開的雙手，彷彿是耶穌受難的可怕場景。
但好笑的正是這張照片拍攝時那位看似要去安撫傷兵的黑人士兵：
「頭上包著繃帶的黑人士兵，似乎在對倒下的士兵伸出援手，這張「非軍事區以南」之所以撼動人心，就在這兩人的同袍之情和推己及人之心。然而，與伯羅斯在越南共事的攝影師表示，黑人士兵並非出於憐憫才伸出援手，他只是茫然地蹣跚而行，然後直接從傷兵身上踩過去，高高興興地在田壟上坐下來。伯羅斯用35mm 相機搭配短焦鏡頭，深入現場拍下這張特寫，讓人彷彿置身於當年耶穌受難的可怕場景裡。短焦鏡頭誇大了透視效果，讓視覺焦點落在傷兵伸長的手臂上。」
◎格林德堡，1967，雷－瓊斯（Tony Ray-Jones）攝
有些經典名作的解讀是需要一點社會背景的理解，像這張就是。不過在不理解拍攝這張作品背後的社會文化前，其實畫面看起來也怪怪的：紳士、淑女、野餐用的小桌椅、紅酒、牧場的牛和羊，這些元素怎樣看都不是相搭配的啊。
原來這是在嘲諷英國的上流社會文化，在這裡我就直接引用書中「作品背後的故事」整段文字會比較完整：
「 這張照片將英國人的離經叛道推到極致。從照片上這一男一女的穿著，以及在白天喝紅酒的舉止，這兩位非富即貴，為何要在草原上與牛群比鄰而坐？穿著晚宴服在草原上野餐已經很荒謬，雷－瓊斯索性讓整張照片荒謬到底，故意讓這對夫妻看起來身處牛群之中。其實在這對夫婦和牛群之間有一條壕溝，只是照片上看不出來而已。
雷－瓊斯雖然英年早逝，但是在戰後英國攝影記者中深具影響力。他拍攝過一系列英國人從事休閒活動的照片，其中這張「格林德堡」是他最有名的作品。照片中的夫妻到薩賽克斯郡格林德堡的歌劇廳欣賞歌劇，這在英國夏天是很常見的社交活動。依照慣例，聽歌劇前要先在草地上野餐，這就是為什麼這對夫妻會出現在原野上的原因，而且顯然是有備而來。
觀賞歌劇的富人和吃草的牛群原本毫不搭軋，雷－瓊斯卻利用中長望遠鏡頭壓縮景深，讓這對夫婦和牛群比鄰共處。照片上這對夫婦在牛群之間遺世獨立，自顧自地過著貴族生活，對周遭環境不聞不問，甚至對配偶也視而不見，正好隱射了英國階級之間看不見的鴻溝；在當時，英國的階級制度比現在還要嚴格，到格林德堡欣賞歌劇者非富即貴，更凸顯一九六○年代階級制度之森嚴。」
◎我的母親，約克郡柏頓修道院，1982，霍克尼（David Hockney）攝
最後介紹一下當代藝術大家霍克尼的作品，其實在看這本書之前，我真的看不太懂那種用許多小照片拼成一張大作品的用意何在？那還叫攝影嗎？但看了這幅作品後，我就馬上愛上拼貼式的創作，但真的蠻難的，大家不妨玩看看。
我們接下去看原作者的說明吧：
「這幅「我的母親」反映霍克尼在一九七○、八○年代追求的風格。嚴格來說，霍克尼並非攝影師，而是藝術家，他經常使用拍立得輔助構圖，將一張張拍立得拼貼成一大張相片，作為構圖的參考。他發現拼貼出來的成品雖然是完整的圖像，但是近看每一張照片又有不同的面相、不同的角度、不同的動作，這是繪畫無法捕捉的。
霍克尼在拼貼攝影中，使用最簡單的機種，通常是拍立得或是傻瓜相機，照片也是送到相片沖洗店沖洗，最後拼貼出來的成品少則五張，多則百餘張。拍攝這張「我的母親」時，霍克尼在母親身邊稍微走動，嘗試從不同角度拍攝，甚至把自己的鞋子也拍了進去，一來肯定自己在攝影過程中扮演的角色，讓觀眾意識到他的存在，二來則彰顯他和母親之間的關係。」
感覺整理了好多，還有很多很有趣或讓人沉思的經典，有興趣的人再去找書翻翻囉～
延伸閱讀：
◎[閱讀分享]解讀攝影大師：卡提耶－布列松
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